我在练琴过程中，一次一次地寻找着拉琴的真谛。最终我发现焦点在于「放松」二字。心灵放松才能感受到音乐。左手放松才能换把准确，手指麻利。右手放松才能完成小提琴弓法上丰富多彩的变化。耳朵放松才能变得听觉敏锐、有节奏感。眼睛放松，视谱才能一目十行，过目成诵。拉琴放松，小提琴才能像自己身体上的一个器官，随心所欲。放松应该贯穿练琴的全过程，让音乐自然地刻印在孩子的脑海中。
学生们常以非艺术的心态去学习小提琴。可是小提琴却是艺术的结晶！不但是小提琴的音色，就连小提琴的造型，都极其富有艺术性。音乐艺术之所以能成为人类的精神财富，是因为她以美的形式，表达了人类共同的、可以沟通的心声。任何一首乐曲都有着深厚的历史与文化的渊源。无论是演奏西欧古典、浪漫还是近现代作品，我们都要带着探索与求知的歉虚态度。乐曲的主次声部、来龙去脉、基本速度、强弱变化以及小提琴的指法弓法，这一切都非要搞清楚不可。像朗诵诗歌一般。须把内涵、段落、「启承转合」分析清楚。演奏小提琴不能只按音符死拉，胡子眉毛一把抓。
另外练琴要广度和深度相结合。我认为不必过多地重复练习一首作品或一种基本练习。几首作品可以交替练习，并且用不同的节奏型去拉奏音阶，可以减少由于单调的重复而产生的「小和尚念经，有口无心」的自我催眠的状态。练琴的过程应该是一种艺术享受。因人而异，因曲而异，多姿多彩，不要让孩子把练琴变成枯燥的「苦役」。
若只练习几首心爱的乐曲而忽略素质锻练，必事倍功半。应认真补课，主要补音阶和琶音、双音与和弦，这样才能纠正音不准的通病。要加强基础训练，掌握调性、指法、换把、节奏等基本技能，让学生稳步、扎实、持久地增长基本功。
另外，视奏的提高，可以提高学琴的进度。从音符到音乐是一种「手译」的技巧。如果仅把上的音符「对号入座」，把单音拼成句子，是最原始的视奏。要了解任何一个音在不同的调性中，所处地位和作用也不同。如一个「C」音，在C调为主音；在F调即是「属音」，在G调是「下属音」。唯有鲜明的调性、节奏和把位概念，才能准确地把乐谱「翻译」出来，再配合放松合理的指法弓法，就能顺当地奏出长乐句的流畅节奏。「读谱关」离不开经常性训练。浏览性的视奏，可开阔视野。但是要从「慢」与「准」开始，切忌草率。我的老师林克昌先生给我养成一种习惯，我很受益并坚持到今天，就是只要视奏上一条新曲，一定坚持从第一个音拉到最后一个音。不要半途中断，或觉得不好听就转换另一首。
技巧性的练习曲正是由浅入深地培养手和脑的适应性，在教学上应选有针对性的教材，重点练习，并达到所要求的速度和精度，最后能跟上CD一起拉奏。尽量符合 力度要求和完整性，才能提高技巧。除了音乐中的「共性」规律，在练习一首作品时还要注意它的「个性」，艺术上才不会得「贫血症」。不能拉甚么都一个味儿。应该尽量多接触技巧内涵丰富、难易程度适合、但风格却迥然不同的作家的优秀作品。也不能忽视学习中国曲目，像「梁祝」等优秀曲目，使学生掌握不同的音乐风格，让演奏由衷、贴切、丰满。
在练琴过程中如何提高效率，是现代社会中学琴者迫切想解决的问题。每个学生和每个作品，都有其独特的困难和问题。教师的责任在于准确地协助学生找出问题，提出方法，让问题迎刃而解。应该多鼓励爱动脑筋、主动发现问题、对音乐有要求的学生。
艺术是重感觉的。对音质的变化，放松的程度，以及音色的内涵，都要有敏锐的感觉。对节奏乐句的强弱走向，乐句的呼吸，情绪的转换等等要吃透。这叫拉琴「有根」。这才能发挥才华。拉琴的力度、速度和清晰度是三个衡量技巧纯熟的砝码。如不能恰如其分地表现在乐曲的内涵，只会成为「机器人」。 (责任编辑：)
